[音乐知识]音乐语言要素

王品开

音乐语言要素

音乐是听觉艺术，音乐作品所用的各种声音材料，都可纳入音乐语言要素这个总概念中。但真正音乐语言的生成，常常需要多种音乐要素的相互配合，以形成一种能够表情达意的体系，即音乐语言。音乐语言的构成要素主要包括：旋律线、节奏、节拍、速度、调式、调性、和声、音区、音强（力度）、音色、演奏（唱）法、织体等。
1、旋律线：
    即单声部乐思进行。这里主要是指由音程的连续和进行方向所构成的各种旋律线（如级进或跳进的上行线、下行线、或平行线，以及由此派生出来的锯齿型、波浪型等千变万化的旋律线），它们在作品中，总是与节奏等其它要素结合起来表达乐意的。
不同旋律线可以用来表现不同感情。
如：趋向于音响明亮和力度增长的上行旋律，经常用以表现人的振奋和积极向上之情（见谱例1：贝多芬第一交响曲谐谑曲乐章的开始部分）。
    而趋向于音响松弛和音响柔和的下行旋律则常常用以表现抒情或忧伤（见谱例2：柴可夫斯基《第六交响曲》第二乐章中部）：旋律线有时也用以模拟自然音响或描写大自然。如贝多芬笔下的田园风光、暴风雨之夜等。在圣－桑的《动物狂欢节》或普罗科菲耶夫的《彼得与狼》中，许多动物角色的主题旋律都带有明显的模拟性质。现代作曲家梅西昂的《异国之鸟》中有关鸟鸣的旋律据本人说，都是记录下来的。
    浪漫主义时期，在用旋律语言宣泄感情方面达到空前的高峰。如那些大起大落的旋律线成为作曲家表现心潮起伏、大喜大悲的常见音乐语言要素之一，而那些细腻的，被华彩装饰化了的旋律线则表达了浪漫主义作曲家们所向往的诗一般的意境、梦幻……（可参见第二章第三节谱例2：肖邦降b小调钢琴奏鸣曲第一乐章副部主题、第四节谱例4：拉赫玛尼诺夫《第二钢琴协奏曲》的主部主题以及第五章第五节谱例1：柴可夫斯基幻想序曲《罗米欧与朱丽叶》中的副部主题等）。
    中国音乐有通过旋律表述乐思的传统和自己的特色、优势。但其内容之丰富已无法在此教材中进行概括。所以，它们应作为专门课题另行研究。
2、节奏：   
节奏是长短不同和强弱不同的音的配合方式。它们是音乐的“骨骼”，经常富于旋律线鲜明的性格。
    如德彪西的钢琴曲《小黑人》是一首非常生动的小曲，它带有黑人歌曲的五声性旋律、切分性的舞蹈节奏特点，而半音化的音乐表述则使人联想到源于美国黑人的勃鲁斯（blues）音乐风格（见谱例3）。
    节奏有时也具有相对独立的表现作用。即节奏主要不是与旋律线结合，而是与各种音响、音色相结合来完成音乐的表述。在非洲、亚洲等许多地区都存在大量的打击乐或主要是通过节奏语言构成音乐段落。如：中国戏曲音乐中的锣鼓段等。
    节奏重音在节奏中，占有明显的表现优势。例如：一些节奏重音标识着乐句或乐节的开始，另一些节奏重音，用以强调特殊的语气、动作，被有些人称为感情重音。这些为了表现，而在弱拍设强音的节奏处理，与生活中的动作节奏、语言节奏都保持着直接和最密切的关系（如聂耳《铁蹄下的歌女》中“偿尽了人生的滋味”一句，在“尽”字上的切分重音，即感情重音）。
在更宽一些的概念中，节奏也可以是指整个作品的段落比例平衡关系，即所谓“整体节奏”的进展或布局。
3、节拍：
    当音乐的节奏按照某种时值长度和轻重关系进行有序的组织时，就形成了节拍。所以，节拍即数列对音乐时值、节奏的逻辑组织。
①传统的节拍按照等长度时值（即每一小节的音乐拍数是相同的）和周期性的节奏律动（每小节第一拍为重音）对节奏进行分组。如：2/2、4/4、 2/4、 6/8、 3/8等，体现了节奏分组中的有序循环。
②现代音乐中的各种变节拍，也常反映为另外一些数列控制。如：斯特拉文斯基的《春之祭》中就有等差数列节拍等，被西方视为现代手法。而类似的数列节拍在中国的传统音乐中早就存在了（如《金橄榄》、《鱼合八》等）。
    节拍有时还可能通过交替对位来增强其表现力和趣味性（如：阿连斯基的钢琴曲《固定低音》左手是按6/4拍节奏律动循环，右手却按5/4拍演奏，很有特色）；特定的节奏、节拍可能具备特定的体裁特征（如圆舞曲、马祖卡、波罗奈兹都是三拍子，但圆舞曲的强拍在小节第一拍，马祖卡的节拍重音在第二拍，而波罗奈兹的特定节奏更给人一些进行曲似的感受。从而也使三种舞曲获得了完全不同的风格特点和气质）。
4、速度：
    快速与兴奋等心理表现有关，音乐具有积极的运动功能；慢速与思索、抒情等音乐表现有关，音乐的表述相对平和、稳定。古典交响套曲的第一乐章常常采用快板即出于积极的动力性需要。
    中国传统音乐中经常使用的“散－慢－中－快－散”等速度布局来陈述音乐，这也属于通过速度组织来表现乐思。诸如此类的中西音乐速度变换布局，也可以看成是一种宏观节奏。
5、调式、调性：
    调式是指各种音高关系的体系（如：西方的各种大、小调式和东方的五声、六声调式等）。调式的表现力首先通过音的进行和停顿来形成调式功能运动。调式的另一方面在表现力于它的风格和色彩。
    西方中世纪的多种调式在民间和宗教音乐中大量存在，如伊奥利亚（Ionian）大调式、爱奥利亚（Aeolian）小调式、混合里底亚（Mixsolydian）大调式、里底亚（Lydian）大调式、多里亚（Dorian）小调式、弗里几亚（Phrygian）小调式，以及洛克利亚（Locrian ）调式等。其中，任何调式体系一旦改变音程关系都可能出现调式交替。
    西方中古调式经过古典乐派时期的规范，变成了主要是自然大调、和声大调、自然小调、和声小调四种调式，它们概括了原有各种调式的主要色彩，大调式的明朗、抒情和阳刚之气，小调式的阴柔、暗淡和某些戏剧性因素。这些历史上的变化，显然也与主调音乐的兴起和功能和声的发展有关。
   随着民族乐派和印象派的出现以及近现代音乐个性化的发展，各种人工调式和多种自然的调式的混合运用直至十二音技术的出现等，音乐又呈现出一种新的多样化局面。各种中古调式和民间调式又以新的姿态重新得到了发展机会（可参见本教程各章节谱例中所涉及的拉威尔、德彪西或巴托克等人的作品）。
    在民间，各种调式的并存和运用，从来也没有间断过。如东方，印度和伊斯兰国家的许多调式对于其他国家的音乐家来讲，几乎还是个谜；中国的五声调式与日本也大不相同（特点是，中国为“「小三度＋大二度」×2”，即“羽、宫、商＋角、徵、羽”；日本为“「小二度＋大三度」×2”）。这些丰富的音乐语言方式正再一次受到了各方面的重视。
    调性的概念与基音有关。如，C大调是以c为基音的，c小调也是以c为基音的，c的多里亚调式或弗里几亚调式也是以c为基音的。它们属于同一调性（虽它们在调性内部的结构样式不同）。无基音的音乐为无调性音乐。调性的表现意义主要表现在调性音乐作品中。如：乐曲调性的确立，是音乐陈述的基础，音乐的离调和转调会给音乐的发展带来新的动力和色彩，而调性的回归又使音乐恢复稳定和平衡等。
    如贝多芬《第五交响曲》第一乐章就采用了c小调表现命运在挑战这一严峻的命题。中间乐章为了对比，曾经改用过其它调性。第四乐章为了表现庆典、胜利，改用明亮的C大调。即末乐章的调性回归了，只是调式没有再现。从整部交响曲的基音和调性观察，第一乐章和第四乐章虽然调式色彩不同，但由于它们都统一在“C”这个基音上，即都属于C调性，从而也算恢复了这部交响乐在整体上的调性平衡（见谱例5ab）。
    可以概括出这样的结论：在调性音乐作品中，主调与其它调的对置、矛盾，是促成音乐动力性发展或音乐色彩性变换的重要表现方面，而调性的回归或再现则又是乐曲趋向稳定的重要标志。所以，调性音乐的调性布局与结构功能划分甚至曲式类型界定等，都有着最直接和密切的关系。
6、和声：
和声的作用有功能性和色彩性表现等不同侧重面。
①功能性和声进行与结构组织关系密切。如：在多声音乐中，句与句之间的呼应、终止或阻碍终止等，主要都需通过和声体现。此外，和声的韵律也控制着音乐的进行。
②和声的色彩表现：和声的色彩，是表现的重要方面之一。如格里格《皮尔·金特》第一组曲中的《朝景》，即是通过和声的三度色彩性调转换来描绘清晨阳光是如何穿进树林的。
    各种色彩性和声的运用到印象派时期曾得到空前的发展（如德彪西的钢琴曲《雾》就用“C与bC和声重叠”的手法描绘了模糊不清的“雾气”）。在现代音乐中，不仅使用各种高叠和弦，还使用音块技术等，也是为了形成各种特定的音响效果。
7、音区：
    音区与音色有一定关系。在表现方面，高音区往往与情绪的高涨、音乐布局的高潮有关，这是因为大多数乐器在高音区演奏时音响比较紧张和响亮（如管乐）。但是，有时也与晶莹剔透的音色相联系（如钢琴等键盘乐器），低音区则由于演奏低音的乐器比较笨重，发音也厚重，所以在传统的写作中，常常表现悲哀、低沉或厚重等（当然有时也可以柔和、抒情）。
如：格里格的《皮尔·金特》第一组曲中的《阿瑟之死》即运用“低音区－中音区－高音区”而将悲哀的情绪推向高潮（见谱例7）；
普罗科菲耶夫在《彼得与狼》中用高音笛子表现小鸟，用大管来表现老爷爷也获得了非常形象的表现；
    在现代音乐中，为了追求特殊的音响和音色效果，音区的运用常常反其道而行之。如：《春之祭》特意让大管在高音区艰难地吹奏，形成尖锐干涩的音响，代表了在高寒的大地上，极具有生命力的小草已经开始萌生等，也很成功。
8、音强（力度）：
① 在一般情况下，音强与振奋、肯定、自信有关，并且，音乐的强进行比较富于动力；弱音则可能与窃窃私语，与内心刻画或朦胧的境界有关，动力性也较弱。
② 强力度的音响可能拉近它和听者的距离，有“贴近”或“凸出”感，弱的音响可能感到“遥远”或“凹陷”。如：拉索的合唱《回声》就有效应用了这一音乐语言要素（见谱例8）。
③ 渐强、减弱的力度处理首先表现为音乐的张弛变化，同时，也与人的感情起伏有关，它们也属于音强表现的范围。
9、音色、演奏（唱）法 ：
    在同样的音高条件下，不同乐器或不同人声，会发出不同浓度和个性的音响，被称为音色（如：手风琴演奏的c 与钢琴演奏的c人们很容易区分，或张三的嗓音和李四的嗓音不同等都因为音色不同）。连初生的婴儿都可以从众多的人声中区分出那个是妈妈的声音；不同的音色会使人联想到不同的民族生活（如马头琴声是与草原和蒙古族的游牧生活相联系的；管风琴的音色可以使人想起西方的大教堂和与之有关的礼仪、信仰；古琴的音色使人想到我国古老的文化、历史……）。
    演奏演唱法是指乐器或人的不同发声方法。如：各种乐器的连音奏、断音奏、跳音奏、滑音奏、颤音奏、泛音奏等。又如声乐中各种不同的发声和演唱方法（如美声唱法和花腔技术以及各种民族的不同唱法等）。它一方面与音色语言要素相关，另一方面还直接关系到特定的表情和风格。
    在西方的管弦乐曲中，常常用弦乐表现抒发内心独白的歌唱性旋律，这是因为它的音色最接近人声音色，在一些描写大自然的篇章中，木管乐组则往往大出风头，因为它们有接近大自然的五光十色。
    演奏法、音色与风格的关系也很直接。如陈钢、何占豪的小提琴协奏曲《梁山伯与祝英台》》由于巧妙采用了中国乐器的揉弦和滑音等演奏法（当然还要与特定的旋律相结合），使西方的小提琴也获得了中国风格韵味。而格什文《蓝色狂想曲》中的滑音，却带有明显的美国爵士演奏风格。
    在现代音乐中，音色的开发成了众多作曲家普遍关心的问题，由于演奏技术的不断被突破和音源的扩大，音色的表现性作用被越来越受到重视，以至出现了音色音乐、音色旋律等新概念。潘德列斯基的《广岛悲歌》（又被称作《为广岛的死难者而作》）即是其中一首。它的音色特点在于，通过传统弦乐器合奏来模仿电子音乐音响（其中不再使用传统意义上的音阶、节奏、节拍等），被称作“音色音乐”。
10、织体：
音乐的织体包括：
① 单声织体（齐唱、齐奏和八度演唱演奏）；
② 支声织体（基于齐唱的含附生性旋律织体）；
③ 复调织体（几个各自独立而互相协调的声部同时结合构成。其中，异节奏和声部独立是复调织体最重要的标志）；
④ 主音音乐织体（包括持续低音式、和弦式、分解和弦式等）；
⑤ 主、复调的混合织体等。
    和声性的主音音乐，可以通过与主要旋律线相适应的和声织体获得具有表现力的音响和音乐层次，使音乐具有浮雕般的立体感；如：柴可夫斯基《F大调变奏曲》作品19之6中的“第5 变奏”是和声性织体。
而在同一变奏曲中的“第6 变奏”则使用了复调织体，音乐错落有致的陈述，也给人以美好的艺术享受。
以上10种音乐语言要素，即音乐表现的基本手段。

王品开

平时只是听听,并不懂这些专业知识
和大家一起学习.
帮助我们提高音乐鉴赏能力

PS一下:上面的知识来源于网络

[ 本帖最后由 开开未来 于 2008-4-19 09:12 PM 编辑 ]

开心

哈哈。。。
只能说是笔记当中，其它的不知如何开口，因为手仔是音乐白痴，只知道歌词、与节奏、旋律好就OK了！

王品开

原帖由 ⊙_迤手耔 于 2008-4-19 07:57 PM 发表
哈哈。。。
只能说是笔记当中，其它的不知如何开口，因为手仔是音乐白痴，只知道歌词、与节奏、旋律好就OK了！

一样

zhangyan_8012

中国的五声调式与日本也大不相同（特点是，中国为“「小三度＋大二度」×2”，即“羽、宫、商＋角、徵、羽”；日本为“「小二度＋大三度」×2”）。

嘉希

犀利,受益匪浅,学到不少了!